谈到游戏（本文中特指Digital Game）和影视的共通之处，其中一点就是：通过屏幕来传递信息，通过画面将创作者、角色、玩家三者联系起来，即“视觉化叙事”。
早在80年代，“叙事”一词就已经和游戏密不可分。尽管当时的硬件机能十分有限，但已足以描绘“从力大无穷的大猩猩手中救回女友”这样的一句话情节（1981年《Donkey Kong》），并从此催生了一系列关于“游戏叙事”的探索和讨论。
而利用视觉元素协助叙事，在2D游戏中就早已有之，例如Galgame里大量运用的背景图和角色立绘，或是横版卷轴游戏主角登场时简短的演出。进入3D时代，预渲染CG曾经以其远远超出游戏实机品质的画面，包揽了所有表演桥段。时至今日，由于技术和硬件的进步，即时演算动画早已达到媲美CG的精细程度，越来越多的游戏尝试将玩家实机操作与过场演绎无缝衔接，例如《战神》最新作中的“一镜到底”。
游戏与影视之间的界线已变得越来越模糊。在游戏设计时，能从影视中学到哪些东西？又有哪些截然不同的设计呢？
能被“看见”的语言
越来越高品质的动画，仅仅是为了将故事更直观地“呈现”出来吗？
我们常说“镜头语言”这个词，既然被称为“语言”，便说明画面是可以用来传达某种情绪或期望的，是将信息视觉化之后的结果。
在影视中，画面更多的作用是“传递”信息，因为电影中的世界和人物（通常情况下）是已确定的、独立于现实之外的，观众通过屏幕这个窗口进行窥视，镜头的变幻则传达出环境状况、人物关系、台词中没有说出来的角色心理等信息。
这其中的技巧和细节数不胜数。许多早期的游戏过场动画，就是对影视片段的完美学习。
看不见的“逗猫棒”
在游戏当中，“观众”不复存在，取而代之的是“玩家”——游戏故事的参与者/操控者。在游戏设计中，常常会提到“沉浸感”，创造沉浸感是游戏设计最重要的目标之一。因此，镜头更多时候担负着“引导”的作用——将玩家的注意力引导到游戏的目标和挑战上。
其中最直接的方式就是移动摄像机的镜头，让需要被关注的对象处于画面中心。
有时候，设计师们会使用一些小技巧，如同挥舞着逗猫棒的驯兽师。
其实，人的注意力和小动物并没有本质上的区别。逗猫棒作为专门用来吸引注意的道具，通常是一簇下面挂着小铃铛的彩色羽毛——鲜艳的、晃动的、叮铛响的——其中包含了引导注意力的三个要素：色彩、运动、声音。
游戏中常用的引导手法就包括：
- 利用显眼的颜色或光线作为焦点
- 利用静态环境中的动态/动态环境中的静态
- 利用声音吸引注意（这个不是本篇重点，后面会有其他文章详细讲解）
在某些游戏桥段中，不仅需要“引导”，还会用到“误导”。与恐怖电影常用的手法类似——比如说，在小黑屋里放置一个亮闪闪的宝贝，然后在你走向宝藏时，门后的吸脑怪突然冲出来送给你一个爱的抱抱。
正面，还是背面
一部好的影视作品，最关键的部分是令观众与角色产生共情——也就是说，影视主角拥有自己的想法和意志，观众只是通过类似的自身经历尝试去理解角色的某些遭遇、行为。因此，在影视屏幕上，镜头通常以正面推近角色，以展示角色的内心状态为主。
而在角色扮演游戏中，玩家与主角的关系则是代入——所谓”扮演“，是将屏幕上的那个人想象成自己的化身。因此，这类游戏的屏幕上很少展现主角的正面，以避免因角色的内心冲突与玩家感受不符，而带来剥离感。镜头中弱化主角的存在，而以展现周遭的环境、其他角色的反馈为主。
关于最近大家都在聊的《TLOU2》，个人认为用一部影视剧作品的角度去评判的话，其实还不错，但却缺失了“代入感”：当艾丽第一次龇牙咧嘴杀人的镜头正面出现在屏幕上时，我感觉我和这个角色的联系渐渐断开了。
孰强，孰弱
打斗，是展现冲突的重头戏。
游戏里酣畅淋漓的BOSS战、影视中剑拔弩张的对决，都可能成为一个作品的经典桥段。
在设计这些桥段时，关键词是“强弱”。
为何《风花雪月》在发动攻击时会改变视角？
为何《只狼》里使出制裁技时镜头会变？
（当然其中也有很多其他的考量，但）强调敌我的强弱关系是很重要的目的。
在大量的影视中，“强弱”是通过改变摄像机视角来体现。
简单地说，低机位仰拍使角色跳出场景凸显出来，体现威严或压迫感；
俯拍使角色被环境包围，体现出渺小和被动感；
倾斜角度的摄像机强调不稳定性。
在游戏中，当BOSS进入战场和战斗结束时，体现出两种截然不同的镜头语言。
对话时还能做些什么
最后，说到对话上。不论是影视还是游戏中，对话都占有相当大的篇幅。如何令反复出现的对话场景变得不那么千篇一律，变成需要解决的大问题。
早期的游戏叙事十分依赖文字——说明、旁白、对话。如何在展示大量文本的同时，抓住玩家的注意力，成为设计师们首要考虑的问题。
立绘头像出现后，对话变成两个角色间左右交替占领画面焦点的过程。这实际上模拟的是影视中的正反打镜头。对话中角色的身体姿态、微表情、语气和说话内容被打包成复合信息，令观众在解析这些复杂信息的过程中保持专注。
这种方式最为简便和常规，以至于当游戏已拥有精细的3D建模后，依然大量采用类似的手法。
通常，影视创作中为避免这种单调重复的画面，导演会设法在说话过程中加入动作。这些动作不止包含角色的行为和移动，还包括故事上的转折或推进，令对话过程中的信息量进一步提升。
与之类似的，在许多现代游戏设计中，也将“对话”与“行动”糅合在一起，虽然仍有大段的台词，但已大多安排在探索或战斗中。
创造“体验”，而非画面
影视发展的时间与成熟程度远超游戏行业。光是运镜技巧这一项，就有数不清的细节值得学习。
然而，游戏不止有“过场动画”，游戏相比影视，最大的不同点是：游戏中有“玩家”的参与，TA也是叙事的一部分。
影视更重视“观感”，而游戏更注重“体验”，这一点使得两种艺术形式在表现上有着巨大的差异。忘记这一点的创作，无论在画面上多么接近先进的影视的视觉表现，都有悖于游戏的核心。
我们自始至终有种冲动，想要去触摸，去嗅闻，去聆听，去畅饮，去品尝，去拿起陷于窗帘中的蝴蝶，让它离开弯曲的铁窗，重获自由，去饱餐一顿或去亲吻书页。我们体会将三根手指深入保龄球时的感觉，体会它的重量。
——《失明的摄影师》序